erakina

Przez ostatnie 30 lat bardzo dynamicznie rozwijał się ruch Festiwalowy. Festiwale filmowe mają dziś ponad 3000 różnych festiwali na całym świecie, od festiwali filmów niskobudżetowych lub ultrakrótkich po najsłynniejsze pokazy filmowe na świecie, które odbywają się w Cannes. Zobaczmy, czym są festiwale filmowe, jaka jest ich rola dzisiaj i czym jest specyfika największych z nich.

Rola festiwali dzisiaj

W Warunkach dominacji hollywoodzkiego głównego nurtu w światowej kasie widzowie muszą mieć możliwość oglądania „innego” filmu: eksperymentalnego, autorskiego, który czasami wyprzedza czas i ma szansę pozostać w historii, ale nie ma potencjału wynajmu tu i teraz.

Tylko bardzo duże festiwale mogą wpłynąć na losy filmu: pomóc znaleźć widza do komercyjnego kina drugiego rzędu lub przygotować grunt pod wypożyczenie kina autorskiego. Jednak trzy tysiące festiwali na całym świecie pozwalają widzowi prawie każdego dużego miasta przynajmniej raz w roku dotknąć autentycznego współczesnego kina, a nawet spojrzeć na zagraniczne gwiazdy. Obecność festiwali nawet w odległych zakątkach planety pozwala europejskim selekcjonerom festiwalowym znaleźć obiecujących młodych reżyserów i zaprosić ich na duże festiwale w Europie.

Najbardziej wpływowymi festiwalami filmowymi są festiwale z konkursem pełnometrażowych filmów fabularnych klasy A. taki festiwal w kraju może być tylko jeden. Obecnie na świecie jest ich tylko 15.

Najważniejsze to Cannes, Wenecja i Berlin. Każdy z nich ma swoje własne cechy pod względem wyboru konkursowych zdjęć i organizacji.

Festiwal w Cannes

Współczesną hierarchię prowadzą festiwale filmowe w Cannes— jest to największy i najbardziej wpływowy Festiwal. Jednym z kluczowych ego postaci kilku dekad był Gilles Jacob – dyrektor wykonawczy Festiwalu Filmowego w Cannes. Jego zadaniem było poszukiwanie nazwisk i filmów nie tyle aktualnych Dzisiaj, co potencjalnie istotnych jutro i zdolnych do stworzenia pewnego trendu w naszym zmieniającym się świecie przez co najmniej 5 lat. Konkurs, opracowany przez Jacoba, prawie zawsze był przemyślany, w którym przy pozornej różnorodności krajów i nazw często można było prześledzić pewne wspólne tematy. To Gilles Jacob dostrzegł ogromny potencjał amerykańskiego kina z Lat 90. i doprowadził do najwyższej nagrody Stevena Soderbergha, Davida Lyncha, braci Coen i Quentina Tarantino.

Festiwal w Berlinie

Berlinale koncentruje się na postępowej kinematografii geopolitycznej. Częściowo taka koncepcja została pierwotnie ustanowiona. Dziś Festiwal w Berlinie jest często oskarżany o zaangażowanie polityczne i przesadną uwagę na współczesne problemy świata, od praw mniejszości seksualnych po temat emigracji. Jury zwraca również szczególną uwagę na to, aby w programie festiwalowym prezentowane były filmy z całego świata.

Festiwal Wenecki

Jeśli Berlin kojarzy się z zaangażowaniem politycznym, a w Cannes ustalana jest agenda kina i kręcą się poważne pieniądze, to Wenecja jest wzorem manieryzmu estetycznego. To Wenecja honoruje zasadę czystego kina. Na Festiwalu Filmowym w Wenecji poszły ciąg filmów rekrutujących się reżyserów: Bergmana, Godarda, Kurosawy, Truffauta.

Festiwale filmowe, jaka jest dziś rola?

Z jednej strony nie zawsze stają się niezawodnymi przewodnikami w świecie prawdziwej sztuki. Arcydzieła często pojawiają się zaledwie kilka dekad później, a większość filmów, które dziś są uważane za szczyt sztuki filmowej, ma dość skromną historię festiwalową.

Z drugiej strony festiwale filmowe dają możliwość obejrzenia oryginalnego kina autorskiego na dużym ekranie, które może nie trafić do kin, a Filmy-zwycięzcy największych festiwali, jeśli nie przejdą na zawsze do historii kina, to na pewno nikt z widzów nie pozostawi obojętnym.

Cannes Film Festival 2016 Highlights

Blockbuster, jego tworzenie:

1) agresywna promocja książki źródłowej przed wydaniem filmu.

2) masowa reklama w telewizji, która pochłonęła prawie jedną dziesiątą budżetu. Jednostki reklamowe w prawie wszystkich programach sportowych w prime time zostały wykupione na trzy dni przed premierą. W kilku programach telewizyjnych pojawili się aktorzy z filmu.

Punktem kulminacyjnym tego wyrafinowanego ciasta marketingowego było wydanie filmu na 409 ekranach w całym kraju. Zazwyczaj film był produkowany tylko w niewielkiej liczbie kin, a liczba ekranów wzrastała tylko w przypadku pomyślnego wypożyczenia. Teraz było inaczej. Ludzie wałami powalili do kina-nikt nie chciał dzień po premierze wyglądać jak zwykły film, który nie poszedł na film, o którym dziś wszyscy dyskutują.

Wkrótce po „szczękach” pojawiły się Gwiezdne Wojny George ‚ a Lucasa, które do dziś zajmują drugie miejsce na liście absolutnych rekordzistów wypożyczalni w USA po uwzględnieniu inflacji. Te dwa precedensy dały producentom konkretny przepis na to, jak należy nakręcić film, aby przejść do niego. Odtąd  każdy blockbuster i jego koncepcja opiera się na trzech filarach: the look, the hook and The book. Przeanalizujmy ten schemat na przykładzie Gwiezdnych Wojen»

THE LOOK (SPOJRZENIE)

Film ma przyciągnąć widza niezwykłym spektaklem, który przyciągnie go na duże ekrany kin. Zawrotne loty w przestrzeni międzygwiezdnej są całkiem odpowiednie.

THE HOOK (HAK)

Widza powinna przyciągnąć historia spełniająca dwa parametry: bardzo prosta, a jednocześnie intrygująca. Spielberg, na przykład, uważa, że blockbuster i jego koncepcja powinna być taka prosta, że można ją przedstawić w ciągu jednej minuty. A co z „Star Wars”? Bohaterowie muszą uratować uwięzioną księżniczkę. Czy im się to uda? Ta fabuła może być opowiedziana za minutę, a intryga jest zrozumiała dla każdego dziecka.

THE BOOK (KSIĄŻKA)

Sprzedaż powiązanych produktów-merchandising-odgrywa kluczową rolę. To właśnie pozwala producentom uzyskać dodatkowy zysk, a także zachować film w pamięci ludowej i położyć podwaliny pod kontynuację. Wystarczy powiedzieć, że Gwiezdne Wojny przyniosły twórcom więcej pieniędzy ze sprzedaży zabawek i gier wideo niż z wypożyczalni filmów. Co więcej, George Lucas z góry miał na myśli wydanie zabawek i dlatego nasycił obraz wieloma rozpoznawalnymi i oryginalnymi postaciami: od robotów po kosmitów.

Co w końcu?

Pojawienie się prostego przepisu na sukces kasowy uderzyło w rolę reżysera. W 1970 duże studia nie znały przepisu na sukces i ryzykowały oferowanie dużych projektów początkującym reżyserom z ich wizją-taki stał się udany „Ojciec chrzestny”. Autorskie, głównie Kino europejskie, było wcześniej postrzegane jako podstawa podstaw, od niego odpychane. A od 1980 roku Centrum i peryferia zamieniły się miejscami.

W 1980 roku kino autorskie znalazło się na peryferiach, a na czele stał główny nurt hollywoodzkiego kina-ponadnarodowego i przeznaczonego do dystrybucji planetarnej. Okazało się, że blockbuster, jego koncepcja i ambicje produkcyjne są czasami znacznie ważniejsze niż twórcza wizja.

Blockbuster i jego koncepcja, która powstała w drugiej połowie lat siedemdziesiątych, z powodzeniem istnieje w branży do tej pory. W kinach na całym świecie dominują proste w fabule, bardzo spektakularne w przedstawieniu historie z dobrym potencjałem sprzedaży powiązanych produktów. Dla widza w takich filmach twarz rozpoznawalnego bohatera komiksu jest wiele razy ważniejsza niż imię reżysera.

To prawda, że mówiąc o blockbaster, musimy pamiętać, że blockbuster – to przede wszystkim film o ogromnej kasie. W związku z tym Filmu nie można nazwać takim przed rozpoczęciem wypożyczenia lub w wyniku niepowodzenia.

What makes a movie a blockbuster?

Persona (1966) Trailer

Kino lat 60-tych zwraca szczególną uwagę na wewnętrzny świat bohatera. Reżyserzy wymyślają wiele sposobów jego ekspresji: możesz odkryć bohatera poprzez religijne aspekty świadomości, możesz umieścić widza w miejscu głównej postaci lub całkowicie zanurzyć się w psychice tej postaci, przedstawiając sny, fantazje i wspomnienia. Trend ten rozwija się coraz bardziej-zapoczątkowany w latach 50 osiąga szczyt w następnej dekadzie. Prześledźmy, jakie techniki zastosowali reżyserzy, aby odzwierciedlić wewnętrzny świat bohaterów.

Wewnętrzny świat bohatera przez Religijne objawienia

Według twórców filmowych i wielu czołowych filmowców z połowy XX wieku kamera jest tylko bezwstydnym rejestratorem rzeczywistości. Ale jednocześnie reżyserzy odkrywają, że ta właściwość jest Podwójna: jednocześnie kamera jest w stanie uchwycić nieuchwytne i pokazać boski początek w człowieku i otaczającej rzeczywistości. To odkrycie było podobne do odkrycia surrealistów: jeśli coś zostało sfilmowane, to faktycznie sięwydarzyło. W ten sposób film staje się nowym medium, które może łączyć uchwyconą rzeczywistość fizyczną z cudami religijnymi.

Spojrzenie na wydarzenia z perspektywy bohatera

W 1960 roku Alfred Hitchcock, znany z rozrywkowych thrillerów szpiegowskich, nakręca szokujący współczesny Horror Psycho, w którym szczegółowo analizuje wewnętrzny świat maniaka, a nawet stawia widza na swoim miejscu. Większość poprzedników Hitchcocka, zgodnie z poglądami z lat 50., Działa „w trzeciej osobie”, gdy kamera jest tylko obojętnym obserwatorem wydarzeń. A Hitchcock zaczyna prowadzić narrację z perspektywy zabójcy. Reżyser umiejętnie manipuluje percepcją widzów — zaczynamy wierzyć w niewinność bohatera i wczuwaćsię w jego wewnętrzne zmagania.

Sennik Bohatera

Przedstawianie snów postaci w filmie jest najłatwiejszym sposobem dla ujawnienia wewnętrznego świata i doświadczeń.  Dziwaczne sny stają się być może jednym z powodównajwyższej nagrody, jaką film otrzymuje na Festiwalu Filmowymw Wenecji. Tak ważne było dla epoki zaangażowanie w wewnętrzny świat bohatera!

Całkowite zanurzenie się w umyśle bohatera

Ale reżyserzy nie zatrzymują się na snach. W 1963 r. Fellini kręciswoje wielkie dzieło-magnum opus – Film „osiem i pół”. Główny bohater jest niezwykle podobny do samego Felliniego — to reżyser Guido Anselmi, który znajduje się w kryzysie twórczym. Reżyser swobodnie porusza widza między niepowiązanymi napierwszy rzut oka odcinkami: rzeczywistością, fantazjami głównego bohatera, prawdziwymi wspomnieniami i snami samego Felliniego. Po kolejnym sklejeniu trudno od razu zrozumieć, nie tylko na jakim poziomie rzeczywistości jesteśmy, ale także w czyjej głowie się znaleźliśmy-czy to w głowie Guido Anselmi, czy w głowie samego Federico Felliniego, ponieważ film jest pod wieloma względami autobiograficzny.

Idąc dalej, dotychczasowe filmy raczej realistycznego reżysera będą coraz bardziej przypominały jeden wielki sen – na przykład” Miasto Kobiet „(1980) wyrosło całkowicie ze snu Guido Anselmi, który widzimy w”ośmiu i pół”. Odtąd możemy nie tylko zobaczyć historię oczami bohatera, ale także być świadkami historii, któradzieje się wyłącznie w jego głowie.

Pod koniec dekady omawiany trend spada. Z życia odchodzą głównie teoretycy kina spirytystycznego-Siegfried Krakauer i Andre Bazin. Jednocześnie dochodzi do gwałtownego wzrostu liczby lewicowych ruchów intelektualnych, które dotyczą kontekstu politycznego i społecznego. W rezultacie reżyserzy, którzy nadal żyją w fikcyjnych światach, tracą kontakt z publicznością. Widać to wyraźnie na przykładzie późnego Felliniego, który ostatecznie sam się zamknął.

Ale osiągnięcia lat 60 nie poszły na marne — techniki potrzebne reżyserom aby wyrazić wewnętrzny świat bohatera są nadal używane w kinie.

Jeśli myślałeś, że 3D to nowa technologia, myliłeś się. „Złota era 3D” nazywa się latami pięćdziesiątymi. Wtedy Kino szukało wszystkich możliwych sposobów na odciągnięcie widza od ekranu telewizora i przyciągnięcie go do kin. W toku były epickie produkcje, Szeroki Ekran kina, a także 3D. ale dlaczego technologia 3D nie zapuściła korzeni w 1950 roku, a nawet w XXI wieku okres ich popularności zakończył się tak szybko? Prześledźmy krótką historię technologii 3D i zobaczmy, co jest z nimi nie tak.

1889 – William Freeze-Green kręci trójwymiarowe kino w Wielkiej Brytanii sześć lat przed pierwszym seansem Filmowym braci Lumiere.

Jak to działało: Aparat z Dwoma Obiektywami, których odległość w przybliżeniu odpowiadała odległości między oczami osoby, zrobił jednocześnie dwa zdjęcia, które trzeba było oglądać za pomocą specjalnego urządzenia. W rezultacie każde oko widza widzi tylko przeznaczoną dla niego część obrazu, a obszar wzrokowy kory mózgowej postrzega te obrazy jako jedną obszerną całość.

Dlaczego nie: w przypadku pierwszych filmów trójwymiarowych pojawił się problem z projekcją — przez długi czas nie można było znaleźć wygodnego sposobu na zaprezentowanie takiego filmu na widowni.

1922 – pierwszy pełnometrażowy trójwymiarowy film „moc miłości” wchodzi na ekrany.

Jak to działało: zastosowano technologię anaglyph. Zdjęcie zrobione dwiema kamerami zostało wydrukowane na jednym filmie za pomocą kolorowych filtrów i przeznaczone do oglądania przez specjalne okulary. Soczewka lewego oka była czerwona, soczewka prawego Turkusowa. Dzięki zastosowaniu kolorowych okularów każde oko widziało tylko” swój ” obraz, w wyniku czego powstała iluzja głębi. Nawiasem mówiąc, charakterystyczną cechą „mocy miłości” była możliwość obejrzenia w 2D wyboru jednego z finałów obrazu — w tym celu konieczne było tylko Zamknięcie jednego oka.

Dlaczego nie: Film nie odniósł dużego sukcesu i nie wpłynął na rozwój branży. Metoda anaglyph pozwalała na wyświetlanie trójwymiarowego filmu bez dodatkowego sprzętu, ale miała wiele skutków ubocznych i nie zawsze była wygodna dla widza.

1952-przez następne trzydzieści lat kręcono filmy trójwymiarowe jako eksperymenty. Przełom nastąpił w związku z wejściem na ekrany filmu „Diabeł Bwana”.

Jak to działało: Ten obraz wykorzystywał technologię polaryzacji 3D, która była znana od końca XIX wieku, ale dopiero teraz otrzymała pełnoprawne wcielenie techniczne. Do zaprezentowania filmu potrzebne były specjalne okulary i dwa projektory. Każdy projektor pokazywał przez filtr polaryzacyjny obraz przeznaczony tylko dla jednego oka. Widz nosił okulary z wbudowanymi filtrami polaryzacyjnymi, które pozwalały każdemu oku oglądać „swój” obraz.

Dlaczego nie: ceną, jaką widz zapłacił za stereoskopowość, była utrata kontrastu i jasności. Synchronizacja projektorów o co najmniej jedną klatkę uniemożliwiała dalsze oglądanie, a niektóre ograniczenia techniczne projekcji zmuszały do wyświetlania filmów pełnometrażowych z przerwą. W rezultacie już w 1955 r.produkcja i wyświetlanie filmów 3D praktycznie zniknęły.

2003-z wyjątkiem małej fali na początku lat osiemdziesiątych przemysł i publiczność aż do końca XX wieku nie wykazywały ogromnego zainteresowania technologią 3D. Nowy boom pojawi się dopiero, gdy James Cameron nakręci film „duchy otchłani” (2003) za pomocą aparatów cyfrowych. Wytrzyma około 15 lat. A głównym arcydziełem trójwymiarowego kina z 2000 roku będzie oczywiście „Avatar” (2009) tego samego Camerona.

Dlaczego nie: Nowoczesne stereoskopowe systemy filmowe to przede wszystkim system polaryzacyjny stosowany w IMAX 3D. Technologia, jak już wiemy, ma ponad sto lat i nadal nie jest w stanie w pełni zadowolić widza. Oprócz spadku jasności i kontrastu nie można dostosować się do indywidualnej nietolerancji kina stereoskopowego: widz może być chory podczas oglądania. Ponadto, aby obniżyć koszty, producenci coraz częściej filmują konwencjonalne filmy dwuwymiarowe, a obrazowanie stereo jest dodawane na etapie przetwarzania filmu za pomocą przetwarzania komputerowego.

Z systemami polaryzacyjnymi (takimi jak IMAX 3D i RealD) próbuje konkurować opracowany przez firmę Dolby system Dolby 3D. wykorzystuje okulary, które przepuszczają tylko ściśle określoną część promieni świetlnych. Połowa spektrum, na przykład, jest widziana przez lewe oko, a drugą połowę przez prawe. Ten system nie potrzebuje posrebrzanego ekranu potrzebnego do projekcji polaryzacyjnej, jest tańszy w instalacji, jednak pojedynczy projektor powoduje migotanie, które nawet pozostawanie niewidocznym dla oka często powoduje bóle głowy. Ponadto w salach wyposażonych w system Dolby 3D z reguły ekran nie ma dużej jasności.

The fascinating history of 3D films

Surrealizm jest najważniejszą strona historii sztuki XX wieku. Ruch ten przetrwał prawie pół wieku i objął nie tylko Europe Środkowa, ale także Amerykę. Najbardziej kultowym dziełem surrealizmu w kinie jest film „Un chien andalou” z 1929 roku. Sam Surrealizm myślał o sobie na dużą skalę: nie jest to tylko kierunek artystyczny, ale cały program transformacji człowieka i świata. Nic dziwnego, że pod szyldem surrealizmu pracowali przedstawiciele z różnych dziedzin nauki i sztuki: malarze i filozofowie, pisarze i poeci, fotografowie i reżyserzy!

Surrealizm: podstawy

Za datę rozpoczęcia ruchu uważa się rok 1924 — wtedy poeta Andre Breton publikuje manifest „surrealizm”. W swoim tekście daje nowemu nurtowi jasną definicję:

„Jest to dyktowanie myśli poza wszelką kontrolą umysłu, poza wszelkimi względami estetycznymi i moralnymi”.

Główne zadanie surrealizmu można opisać w następujący sposób: konieczne jest wykorzystanie możliwości nieświadomych stanów, aby pozbyć się subiektywnych postaw i osiągnąć jedyną istniejącą rzeczywistość — surrealność (dosłownie ponad rzeczywistość). Dwie ważne metody służą do wykonania tego zadania:

• Automatyczne pisanie

Jest to technika, w której ręka pisze szybciej niż świadomość ma czas na zrozumienie tego, co zostało napisane. Po raz pierwszy występuje w literaturze — zbudowano na nim dzieło Andre Bretona „pola magnetyczne”. Z czasem automatyczne pisanie rodzi podobne techniki w innych formach sztuki.

• Sen

To we śnie nasza nieświadomość wyrywa się z kajdan postaw społecznych i etycznych. Zapis swoich snów i ich późniejsze wcielenie w sztuce jest zatem kolejną ważną techniką surrealistów.

Surrealizm i kinematografia

Dlaczego więc surrealiści zwracają się do kina? Wszystko zaczyna się od problemu. Jak przekazać surrealnoś snu — bo nie jest taka jak rzeczywistość? Najprostsze sposoby na pokazanie tej alternatywnej przestrzeni:

• tworzenie dziwnych powiązań między przedmiotami przez skojarzenie lub sen
• dopasowywanie do tworzenia połączonych form niemożliwych w rzeczywistości.

We wszystkich tych przypadkach wydaje się, że widzimy znane formy materialne, ale ułożone w nietypowej kolejności lub przedstawione w nietypowej formie. W ten sposób artyści ujawniają za nimi coś innego, nadrealność.

Fotografia i film doskonale nadają się do tego zadania. Sam Breton podnosi fotografię na drugie miejsce w hierarchii rodzajów sztuki po literaturze. Ponieważ najprawdopodobniej wyświetla to, co zostało zrobione i może przekonać widza o prawdziwym istnieniu obrazu na zdjęciu.

Krytyk sztuki Rosalind Krauss pisze bardzo pojemnie o tej funkcji fotografii: „surrealizm fotografii to odlew, odcisk rzeczywistości; jest to ślad ujawniony za pomocą obróbki fotochemicznej, przyczynowo związany z prawdziwą rzeczą, do której odnosi się — jak odciski palców lub mokry krąg pozostawiony na stole przez zimną szklankę”. Oznacza to, że zdjęcie świadczy o fizycznym pobycie fotografowanych obiektów razem — były tam, gdzie zostało zrobione zdjęcie. I zdjęcie tego świadka. Jest więc świadkiem istnienia takiego zjawiska jak surrealizm.

Kino w tym sensie działa jeszcze lepiej i daje możliwość dosłownie przeżywania snu. Ma nie tylko fotograficzną precyzję, ale także nieograniczone możliwości montażu. Właśnie montaż pomaga:

• mistrzowskie tworzenie dziwnych kształtów (łączenie włosów pod pachami i twarzy);
• Zaprojektuj nierealne przestrzenie (Brzeg morza i mieszkanie miejskie w jednej przestrzeni);
• umieszczanie obok siebie ramek asocjacyjnych (ręka z mrówkami-włosy pod pachą-Jeżowiec);
• pokaż nie tylko dziwne obiekty, ale także sekwencje akcji i obiektów, wykorzystując możliwości prawdziwej przestrzeni.

W ten sposób Kino po fotografii staje się jednym z głównych narzędzi surrealizmu, ponieważ doskonale spełnia zadania ruchu. I ta interakcja przynosi owoce: pod wieloma względami Surrealizm zaczyna postrzegać kino i fotografię jako niezależne formy sztuki.

„Pies andaluzyjski” 1929 r. – Trailer